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CASTROVILLARI – Non è un caso se il festival “Primavera dei Teatri” termina la sua corsa ogni anno il 2 giugno, data simbolica, Festa della Repubblica, unione ideale di tutto lo Stivale tricolore, momento alto anche per l'intero movimento teatrale nostrano. A Castrovillari, in questo spicchio di Calabria che guarda la Basilicata ed è equidistante dal Mar Tirreno come dallo Ionio, dove l'odore di salmastro è lontano mentre sono molto più pregnanti e pressanti gli aromi della montagna, il Pollino che attira sempre nuvole gravide e scure, il teatro ha cambiato l'intorno, il paese che in questa settimana, a cavallo tra fine maggio e inizio giugno, si raccoglie e sgomita per seguire i tre spettacoli al giorno, le performance, i laboratori, le conferenze che il gruppo Scena Verticale ogni anno, con attenzione, mette in piedi. Venti anni. Due grandi ics campeggiano sul manifesto del 2019 con un funambolo in equilibrio a districarsi tra la caduta e la corda. La ics, la croce che ci riporta anche alle Elezioni Europee che proprio in quei giorni sono andate in scena. La pioggia è stata sicuramente una delle protagoniste meno attese e mal volute ma non ha rovinato i piani. Il Fuoco di Bacco, la pasta piccante cotta nel vino rosso, servita da Nicola e Pasquale all'Osteria della Torre Infame davanti al Castello Aragonese, anche quest'anno è stata citata, ringraziata, elogiata, 2019-0-26 PDT Contro la liberta  DIVINA MANIA foto Angelo Maggio P1510809.jpgricordata, fotografata, divenendo un simbolo stretto a doppio filo al Festival della Triade, Settimio Pisano-Dario De Luca (che debuttava a Cosenza sulle rive del fiume in un progetto speciale site specific che sarà presente anche al Napoli Italia)-Saverio La Ruina, grandi professionisti e grandi persone. Elezioni Europee che qui hanno avuto il loro riflesso nei testi, due catalani e uno tedesco, collegati al bellissimo progetto Fabulamundi che Primavera accoglie da un paio d'anni: prendere testi di autori del Vecchio Continente e farli dialogare con giovani compagnie emergenti calabresi; un interessante modo di mischiare le carte, far esplodere energie, rompere gli schemi e vedere come nuovi germi e virus riescano a crescere, espandersi, fiorire.

Ci hanno 2019-05-27 PDT semi stivalaccio teatro  foto angelo maggio DSC06142.jpgcolpito le maschere di “Semi” di Stivalaccio Teatro, i puppets della premiata “La Classe”, l'ironia grottesca dei sette quadri di “Contro la Libertà” della compagnia Divina Mania, la scena e la crudeltà de “La ragione del terrore” dei Koreja. Dopo la loro cavalcata-maratona tutta agita dentro le pieghe della Commedia dell'Arte, i veneti Stivalaccio utilizzano le maschere, uscendo dai testi della tradizione, e indagando la contemporaneità, l'ambientalismo (sarebbe certamente piaciuto anche a Greta) e l'ecologismo mischiati con quella sana follia che li caratterizza. All'interno della Banca dei Semi in Norvegia (luogo reale dove effettivamente sono conservati decine di migliaia di semi di piante) due soldati, nel classico scontro tra efficiente e stolto, ruoli che si ribaltano inevitabilmente, sono messi sotto attacco da terroristi. Il tema è alto e le finestre aperte sono molteplici come l'idea di futuro e di evoluzione della specie che semioticamente (appunto) la parola “semi” contiene: il seme che può essere quello vegetale come quello dell'uomo funzionale per la procreazione. Tra un colonnello dal sapor garibaldino, una recluta cialtrona, echi di Isis e Pussy Riot, spot alla Pulp Fiction, “Semi” è una girandola leggera e onesta di divertimento con più di un rimando alla politica sotto una coltre di risate, di baruffe chiozzotte dove spicca anche un mix tra Mara Venier e Barbara D'Urso, il vero luogo ormai dove si fanno i processi, dove si direziona il pubblico, dove si espongono teorie e dove, purtroppo, si allevano adepti istupiditi da tanta propaganda spacciata per intrattenimento. Un salto di qualità per Stivalaccio.2019-05-29 la classe iacozzilli-crampi  foto angelo maggio DSC07850.jpg

Non era affatto semplice trasformare il testo di Esteve Soler, “Contro la Libertà”, suddiviso in sette scene, una drammaturgia che si prestava più facilmente per una versione cinematografica (che l'autore catalano ha effettivamente realizzato proprio quest'anno) che per un passaggio teatrale. Invece Mauro Lamanna, Gianmarco Saurino e Elena Ferrantini (giovani, carini e molto occupati), i tre giovani attori di Divina Mania, hanno ampiamente superato le aspettative e conquistato tutti. Sette differenti quadri spostati in una società distopica non così lontana dalla nostra attuale, un testo duro, violento, cinico, crudele, drammatico e allo stesso tempo grottesco, assurdo, sarcastico, diabolico. Hanno risolto il dilemma costruendo una struttura che riuscisse a contenere tutte e sette le situazioni, irriverenti, caustiche, tremende, una gabbia sullo sfondo (di Andrea Simonetti), una costruzione pulita, fusion, minimalista e lineare supportata con tocchi di luce eleganti (Luca Annaratone) e musiche pirotecniche e decisive (Samuele Cestola). Un testo che parte da un “contro”, quindi un movimento verso qualcosa fuori di noi, che invece ci parla e vuole insistere sulle nostre debolezze, i nostri demoni, il fascismo che alberga in ognuno di noi, anche senza accorgersene. Nel primo una madre e un figlio sono alla frontiera, lei nel Primo Mondo, lui invece è un migrante e sono collegati da un grosso cordone ombelicale, nel secondo due sposi sono all'altare pronti per il fatidico sì quando alla sposa sorgono dubbi spiazzanti, nel terzo in una situazione di guerra i soldati sono più propensi alla realtà virtuale che si agita nei loro telefonini, il quarto ha dei rimandi a Fahrenheit 451, il quinto è un colpo allo stomaco e vede protagonisti una coppia e un bambino, nel sesto c'è una ditta clandestina dentro un guardaroba e nel settimo si vendono degli appartamenti con delle presenze per qualcuno inquietanti per altri, ormai, purtroppo, normali. I nostri sette peccati capitali quotidiani.

Arrivato 2019-05-29 la classe iacozzilli-crampi  foto angelo maggio DSC08169.jpgqui con un grande carico di aspettative “La Classe” ha confermato la sua bontà e qualità giocando sul doppio binario, e creando la necessaria tensione emotiva (alla fine standing ovation), da una parte dei puppets, infantili e morbidi e teneri, e dall'altra con l'inserto dei racconti, in presa diretta, interviste ai ragazzi, oggi adulti, compagni di classe alle elementari della regista Fabiana Iacozzilli. E' una storia di dolore e sopraffazione, di sadismo e prevaricazioni quella che la Iacozzilli dopo oltre trent'anni riesce catarticamente a mettere in scena togliendosi un peso, respirando. Deve essere stato un trauma enorme portarselo dietro per tutti questi anni. E' una confessione, un teatro di denuncia che ci pone davanti alla questione dei “maestri”. La tesi che ne fuoriesce è che nella vita servono anche i brutti ricordi e tutto entra nel grande calderone della crescita ma soprattutto che servono i maestri che essi siano buoni o cattivi. La suora in questione, protagonista con i suoi metodi a dir poco militareschi di punizioni corporali e sevizie psicologiche, ha in qualche modo, questo si evince dalle parole della stessa regista romana, forgiato la passione per il teatro della stessa ma non solo, ha anche instillato in lei l'amore per il perfezionismo, l'alzare sempre più l'asticella, il mai accontentarsi e, dall'altro lato, la poca propensione alla maternità. La scena, banchi che si muovono in coreografie, e una lavagna, con questi pupazzi dai grandi occhi spauriti (recentemente Premio “In-box” a Siena) è già di per sé un capolavoro, così come i movimenti che gli attori-aiutanti in nero compiono danzando attorno a cartelle mignon, a penne micro, ad occhiali minuscoli. 2019-05-29 la classe iacozzilli-crampi  foto angelo maggio DSC08267.jpgAleggia, già dal titolo, la lezione kantoriana, soprattutto quando, sul finale, la stessa regista, discende dalla platea e con qualche tocco fa scattare brividi e commozione. Il pupazzo interagisce con l'uomo cercando in lui salvezza e conforto ai colpi, alle derisioni, chiede un po' d'amore. “La classe” è, giustamente, il vero eclatante caso teatrale dell'anno.

Il testo di Michele Santeramo sembra scritto proprio pensando a Matera, alla capitale europea della cultura di quest'anno, con le sue grotte trasformate in spa, con la sua sofferenza di qualche decennio fa tramutata in ristoranti stellati e b&b di lusso. Partiamo dalla scena che è d'impatto, quasi fosse un'onda pronta a rompersi, gli attori surfer in equilibrio precario e noi impreparati ad accogliere la potenza della violenza trasmessa senza fine. Perché, ci dice l'autore pugliese (lo spettacolo è prodotto dai Koreja leccesi), esiste sempre una “Ragione del terrore” (regia di Salvatore Tramacere), un incipit, un prima dopo il quale tutto è andato a valanga, prendendo velocità impossibile da fermare. Dicevamo la scena 2019-05-28 la ragione del terrore teatro koreja michele santeramo foto angelo maggio DSC07110.jpg(di Bruno Soriano) è una casa colorata (ossimoro delle vicende cupe e buie), anzi uno spicchio di abitazione, quasi da elfi, da Puffi, un connubio tra Escher e De Chirico, dove tutto è storto, triangolare, da fiaba noir, una casa delle bambole montata senza le istruzioni dell'Ikea, dove tutto è in discesa pericolosa, obliqua, diagonale, squilibrato, scivoloso verso il basso, verso gli istinti più animali e infimi. Michele Cipriani dà voce (uno, assieme a “La Classe”, dei vincitori morali di Primavera: perché non istituire un premio collegato al festival?) a questo disgraziato punito dalla sorte, dalla Storia, dal corso degli eventi, senza rivalsa, senza rivincita, senza possibilità di cambiare il corso delle cose. E dicevamo anche di Matera, all'inizio di questo ragionamento; già perché gli appuntamenti lucani artistici di quest'anno si basavano tutti attorno alla parola “Vergogna” proprio perché Togliatti così aveva definito la condizione nella quale erano stati abbandonati, fino agli anni '60 inoltrati, gli abitanti di quella valle. Cipriani è carnale, sanguigno, è una palla infuocata lanciata a tutta velocità, ci mette tutto se stesso nel rendere e restituire la vita di quest'ultimo, che non può, fin dalla nascita, andare che male, senza redenzione, senza alcuna gioia, né amore né vittoria. Come la struttura è inquietante e cadente così il racconto che si fa livido, atroce, violento (la moglie, sempre silente, è Maria Rosaria Ponzetta nel suo mutismo gonfio, goffo, carico di sofferenza indicibile); e si sente tutta la povertà, la miseria, ricorda Hansel e Gretel, l'insoddisfazione, la rassegnazione, la rabbia, la morte, arriva in soccorso anche “Dogville”. Il Sud, ancora una volta, è la materia sviscerata, con perizia e cura, da Santeramo, quasi un'autopsia su un cadavere malconcio.

 

Foto di Angelo Maggio

Tommaso Chimenti 03/06/2019

Centocinquanta progetti ricevuti, trenta opere selezionate per la fase finale, più di duecento artisti emergenti, provenienti da ogni parte d’Italia, coinvolti e tre intense settimane di programmazione tra performance, presentazioni di libri e mostre d’arte: sono solo alcuni dei numeri della II edizione del Festival InDivenire (25 settembre – 14 ottobre allo Spazio Diamante, Roma), manifestazione ideata e fortemente voluta da Alessandro Longobardi e Livia Clementi, i quali ne hanno affidato la direzione artistica a Giampiero Cicciò, attore e regista dalla trentennale esperienza fra teatro, cinema e televisione. Rendere reale, concreta un’idea, una visione: è questo l’obiettivo di InDivenire. Ne ha parlato con noi di Recensito proprio il direttore artistico Cicciò.

Com’è andata la prima settimana del Festival?

Benissimo. Ciò che colpisce ogni volta è la qualità dei progetti, oltre che la grande affluenza di pubblico. Ci rendiamo sempre più conto che sono tante le compagnie che hanno delle idee chiuse in un cassetto, le quali hanno tutte un’urgenza di essere raccontate. La maggior parte trattano anche tematiche importanti: quest’anno, ad esempio, si passa dal neofascismo che impera oggigiorno, fino ai problemi in Siria delle spose bambine, per arrivare poi al mondo di Internet che fagocita tutti questi ragazzi e da cui loro si sentono divorati, come dei tossicodipendenti. La cosa che salta all’occhio è una nuova generazione di teatranti che ha necessità di raccontarsi e che, soprattutto, merita di esprimersi vista la qualità, ma che non riesce a trovare uno sbocco. Come si sa, in Italia, la nuova drammaturgia non ha esattamente le porte spalancate, purtroppo.GiampieroCiccio4

In cosa InDivenire è diverso da altri festival?

Non è un festival solo per under 35, come ce ne sono molti in giro. Da noi un coreografo, uno scenografo, un attore possono anche avere più di 35 anni per partecipare, ma è doveroso precisare che, secondo regolamento, ciascuna singola compagnia deve essere composta da un 60% di under 35 e da un 40% di over 35. Gli spettacoli in gara sono trenta: di solito è difficile trovare questi numeri, per tre settimane di programmazione, altrove. Infine, abbiamo tre premi importanti: uno è quello della giuria tecnica per la Prosa, che permette di portare in scena definitivamente un progetto di work in progess di prosa, un altro uguale per la sezione Danza e il terzo è quello della giuria popolare. Tutti e tre i progetti saranno ospiti dello Spazio Diamante in stagione: i due vincitori delle sezioni Danza e Prosa vinceranno anche due settimane di residenza, cosa sempre molto ben accetta dai partecipanti perché, come si sa, a Roma gli spazi - prova costano un occhio della testa. Invece, il premiato dalla giuria popolare verrà invitato come ospite. Queste sono le cose che contraddistinguono in particolar modo InDivenire e che non sono facilissime da trovare in altro luogo.

Come scegliete le compagnie e/o le opere che accedono alla fase finale?

Ci basiamo su vari fattori: il primo è indubbiamente la qualità del progetto, l’idea, la tematica. Domandiamo alle compagnie di inviare dei video di loro spettacoli precedenti attraverso cui poter capire il valore delle loro messinscene passate. Infine, chiediamo di mandare anche i curricula di tutti i partecipanti. È ovvio che, fra tutti quelli che arrivano, ci sono anche progetti meno professionali: noi puntiamo sulla valorizzazione di chi lavora attivamente nel mondo del teatro e della danza e non di chi lo considera come uno svago.

Tre aggettivi per InDivenire?

Coraggioso, aperto, accogliente.
Su quest’ultimo aggettivo vorrei soffermarmi brevemente e spiegarlo. Gli artisti che esporranno le opere nella mostra d’arte allestita negli spazi del Diamante provengono da diverse parti del mondo, come Argentina, Colombia, Messico. Un evento a cui tengo particolarmente è la presenza di uno Spettacolo Ospite, Exodos di Luigi Saravo con la collaborazione di MaTeMù - Centro Giovani e Scuola d’Arte del Municipio Roma I (12 ottobre ore 18:00, ndr): in esso si esibiranno attori italiani e attori migranti africani, molti dei quali sono musicisti. Inoltre, abbiamo ospitato la presentazione del nuovo libro di Marco Rizzo e Lelio Bonaccorso, Salvezza, un reportage a fumetti edito da Feltrinelli, dove raccontano la loro esperienza da infiltrati della nave Aquarius. Gli argomenti accoglienza ed integrazione sono fondamentali in InDivenire e ci tengo a sottolinearlo.

Inaugurazione Festival inDivenire Spazio Diamante 3Lo Spazio Diamante, luogo in cui ha sede il Festival, è considerato uno dei quartieri più “difficili” di Roma. Pensa che il teatro, o in generale lo spettacolo dal vivo, possa aiutare il recupero e la riqualificazione del territorio?

Questo è l’impegno di Alessandro Longobardi, l’ideatore del Festival, nostro mentore e mecenate, il quale tiene particolarmente a questo argomento. Io stesso sto lavorando molto sul territorio. Per esempio sono andato personalmente a bussare agli atelier di pittori, scultori, fotografi che hanno i propri i studi al Pigneto e che, per tutta la durata del Festival, esporranno alla collettiva d’arte all’interno delle sale dello Spazio Diamante. Attraverso queste realtà siamo riusciti a creare una sinergia con tutte le persone che vi ruotano attorno, perché alcuni di questi artisti sono anche insegnanti e, quindi, tutti coloro che vanno a imparare a dipingere e a scolpire sono stati coinvolti e chiamati a partecipare alla giuria popolare, oltre ad essere stati interpellati alcuni residenti stessi. Infine, abbiamo organizzato anche dei flash mob al Pigneto per farci conoscere: stiamo agendo per coinvolgere realmente e attivamente tutto il quartiere.

In questi due anni di direzione artistica, ha trovato più talento da difendere o più bellezza?

Abbiamo trovato di tutto. Ci sono state delle cose decisamente e piacevolmente sorprendenti e in cui c’era anche tanta bellezza. Tutti i progetti intervenuti e soprattutto quelli finora premiati hanno avuto entrambe le cose: il talento di interpreti e registi, ma anche la bellezza di un progetto, di un argomento, di un credo che fa vivere questi artisti nella nostra contemporaneità, senza fare un teatro lontano dall’oggi.

C’è qualcosa che non ha ancora visto ma che Le piacerebbe vedere?

Quello che io vorrei trovare maggiormente in futuro nel teatro è un distacco totale da quello che è un linguaggio forse troppo televisivo. I giovani che sono cresciuti a pane e televisione o a pane e Internet stanno maturando un linguaggio che il palcoscenico non sostiene, come un allestimento o una recitazione troppo realistici. E non parlo della verità, perché la verità si può fare con il grottesco o con cifre che non hanno niente a che vedere con il naturalismo. Ecco, manca il sogno. È come se alcuni di questi giovani under 35 dimentichino che la nostra vita non è solo realismo quotidiano, ma anche fantasia, che i nostri sogni ci suggeriscono. Federico Fellini o Ingmar Bergman pensavano molto ai sogni, Giancarlo Cobelli indagava molto i suoi sogni. La parte più visionaria nonché più vera e più profonda di noi, che non ha niente di realistico, è ciò che, secondo me, va più portato sulla scena. La parte più naturalistica, invece, è più giusta per una dimensione da fiction.

Il suo sogno è vedere più fantasia sul palco, quindi.

Sì, esattamente. Sarebbe bellissimo.

Tra dieci anni, che cosa vorreste che fosse questo Festival?

Vorrei che diventasse un punto di riferimento per tutti i registi, i coreografi, le compagnie che non riescono ad avere una vetrina. A prescindere dal premio, per me è più importante vedere giovani felici di poter raccontare finalmente quella loro storia chiusa in un cassetto e impossibilitata ad uscire: questo è l’intento del Festival, non altro. E soprattutto riuscire ad avere un pubblico che sia attirato non solo dai grandi nomi di mercato, ma anche da questi artisti di talento, che hanno qualcosa da dire e che hanno il diritto di esprimersi, di avere una platea curiosa di ascoltarli. Mi piacerebbe che diventasse di respiro nazionale, ma è una cosa un po’ prematura: ancora dobbiamo fare un gran lavoro su Roma e al Pigneto, per farci conoscere ed apprezzare. Adesso la nostra missione è portare a termine alla grande questa seconda edizione e farne una terza riscrivendo il bando con tutte le modifiche nate dalle cose che abbiamo imparato già da queste prime due edizioni.Anna Bonaiuto Bonaiuto Anna sito 4

Teatro, cinema, televisione…Cosa ha portato della sua ricca esperienza nella sua “avventura” da direttore artistico?

In particolare? La mia esperienza da spettatore molto, molto curioso. Ho viaggiato tanto per andare a vedere i grandi maestri sulla scena. Ho chiara la traiettoria del bel teatro europeo. E quando vedo dei giovani artisti portare sul palco questo respiro europeo non circoscritto, io mi accendo. Mi piacerebbe che anche il teatro italiano fosse meno provinciale.

Il pubblico di InDivenire è curioso?

Direi proprio di sì, indubbiamente. Già che viene in uno spazio “indivenire” per vedere opere in work in progress, scegliendo quindi spettacoli nuovi, semi-sconosciuti, in scena in una realtà recente, “nata ieri”, significa che la curiosità c’è.

Peppino Mazzotta 667x350Lo scorso anno venne Fabrizio Gifuni a premiare i vincitori. Quest’anno invece?

Posso dirvi in esclusiva che verranno a premiare gli attori Anna Bonaiuto (Coppa Volpi 1993, David di Donatello 1995 e Nastro d’Argento 1996, ndr) e Peppino Mazzotta (Premio Annibale Ruccello 2012 e Premio Vincenzo Padula 2014, ndr). Quest’ultimo è il direttore artistico di Riace in Festival - Festival delle Migrazioni e delle Culture locali, manifestazione fortemente voluta dal sindaco Domenico Lucano (ora sospeso dall’incarico e agli arresti domiciliari in seguito all’operazione Xenia, ndr). A Mazzotta chiederemo di parlarci anche del Modello Riace. Insieme ai due attori, interverranno l’autore teatrale Giuseppe Manfrini, che consegnerà il premio al miglior testo, e il regista Lorenzo Gioielli, il quale ci racconterà qualcosa dello spettacolo La notte poco prima delle foreste di Bernard-Marie Koltes, diretto da lui e interpretato la scorsa stagione da Pierfrancesco Favino. Loro sono i quattro ospiti che presenzieranno alla premiazione (14 ottobre, ndr).

Chiara Ragosta  08/10/2018

RAVENNA – Sarebbe troppo semplice definire il burattino un pezzo di legno inanimato. E sarebbe alquanto sbagliato descrivere il connubio tra il burattinaio e il pupazzo dipingendolo come un uomo e il suo strumento di lavoro. Qui non si tratta di unire carne e sangue al legno. Da quell'innesto nasce la magia, la poesia, qualcosa di difficilmente riproducibile, ne sgorga polvere di stelle in un unico, indissolubile legame tra la pelle, che presta il suo movimento, e la stoffa che si anima, prende vita e colore, assume un'anima, una coscienza, una consapevolezza, diventa un essere a sé stante, con le sue ambizioni e pulsioni, gioie e tensioni. Alchimia, non c'è altra parola per descrivere il filo che lega burattinaio e marionetta, due cose distanti che, sul palco nel momento dello spettacolo, si fondonoAlbert Bagno.jpg senza più riuscire a capire dove comincia l'uno e dove finisce l'altro. In molti modi è declinabile il Teatro di Figura e il “Festival Internazionale Arrivano dal Mare” (titolo di questa edizione: GenerAzioni), rinnovato e rinvigorito dalla Famiglia Monticelli, grande longevità alla 43esima edizione (tra Ravenna, Cervia, Gambettola, Gatteo e Longiano), ce ne ha mostrato le varie sfumature e discipline in un ventaglio di proposte alte e popolari insieme: il filo, il cunto, i piedi, la mano, i disegni animati.

Di solito quando diciamo che una cosa è fatta con i piedi intendiamo che è fatta male anche se con i piedi si danza sulle punte, si corre a perdifiato, si gioca a calcio. I piedi sono libertà, ma nel linguaggio comune sono bistrattati e messi sempre in secondo piano rispetto alle mani. Ad esempio tutti conoscono i nomi delle dita di una mano, mignolo, anulare, medio, indice e pollice, e pochi quelli dei piedi. Eccoli: alluce, illice, trillice, pondulo e mellino. Ma anche con i piedi è possibile fare molto, fare tanto, fare qualcosa di eccezionale come Laura Kibel con il suo sensibile “Va dove ti porta il piede” che riprende, parodiandolo, il successo della Tamaro, mostrandoci quante cose possono diventare alluci e laura-kibel-2.jpgcalcagni. Nessun feticismo. Decine le valige colorate sul palco ed ognuna delle quali contiene mondi e universi di personaggi e spettacoli. La Kibel, vera Maestra e artista di questa particolare branchia che ha un lato acrobatico, da ginnasta e circense, sciorina, facendo diventare i suoi piedi angeli e diavoli, un anziano sul ginocchio, un simpatico toreador spagnolo che lotta con un toro picassiano, che grazie alle note di Besame mucho riesce a trasformare la bandiera di McDonald che gli viene sventolata in faccia in quella del WWF. Spettacolare il parterre di pappagalli e tucani sudamericani come il Pulcinella arrestato dai Carabinieri (come non pensare prima a Pinocchio e poi al “Giudice” di De Andrè?), il direttore d'orchestra dai capelli a pagliaio e le mani gigantesche come il clown a metà strada tra Profondo Rosso, ispirato all'It di Stephen King, e i Simpson, suggerito da Krusty. Un lavoro intelligente.

Piccolo e gentile quanto affascinante e vintage è il mini carrozzone del norvegese Teater Fusentast dove, per quattro spettatori alla volta immersi in una sorta di cannocchiale, al suo interno si svolgono le vicende del “Parisian pillow case”, ovvero il caso del cuscino parigino. E' una storia semplice di amore e nostalgia per le cose vecchie ma che hanno importanza anche se non hanno valore, passando per una critica all'arte contemporanea e alla stupidità delle mode e di come gli esseri umani possano essere influenzabili. Un uomo che, durante un viaggio aDSCN1974.JPG Parigi, perde il suo amato cuscino dal quale, come coperta di Linus, non si separa mai. Un feticcio, sgualcito e usurato, riesce ad attrarre una serie di personaggi per un on the road (6 minuti la durata) di una carrellata di disegni che s'animano e scorrono davanti ai nostri occhi che tornano bambini: il cuscino, quasi una sorta di Forrest Gump che si trova nelle situazioni più disparate, arriva in testa al Primo Ministro in una parata, finendo nelle mani di un clochard che non ne ha mai avuto uno, viene rubato da un gabbiano, barattato al mercato del pesce (qui ci è venuto in mente l'incipit del romanzo “Profumo” di Suskind), sgraffignato da un gatto (senza gabbianella) fino ad arrivare in una galleria d'arte e cambiare la moda parigina. E' la differenza tra prezzo e importanza, tra costo e affettività, ben spiegata dalla poesia “Considero valore” di Erri De Luca.

Ci sono incontri che cambiano la vita o almeno mutano la percezione del reale, delle prospettive, delle priorità. E la marionetta riesce sempre, con la sua plasticità e ingenuità, e rimettere le cose a posto, a rintracciare i fili, far capire le dinamiche, cercare traiettorie più vere. E' la storia di Horacio Peralta, rocambolesca e avventurosa, dall'Argentina passando per Panama, approdando a Parigi, girovagando con la sua valigia di personaggi, ed oggi stanziale a Valencia. Che poi “Il Burattinaio”, il titolo del suo spettacolo che riassume la sua vita artistica e personale, inevitabilmente intrecciate, non può essere stanziale e sedentario in un unico luogo, deve andare, muoversi, ce l'ha nel dna il movimento, a volte appBig_a893b203e2ccb5d6868513563b9ba297.jpgla fuga. Horacio ci parla di amore per la vita, del lasciarsi andare all'oggi, del prendere da ogni casuale incontro, del sapere vedere la fortuna ad ogni bivio, di abbracciare il domani con ottimismo, lui scappato dalla dittatura argentina diretto a Panama con pochi averi. In un continuo palleggiarsi tra la vita reale, i suoi ricordi, le sue memorie, e le figure da lui ideate, che si affacciano sul palco, presentandosi e prendendo forma, ci fa conoscere Maria e Pier due personaggi che Horacio ha fatto vivere lavorando nelle carrozze del metrò nei freddi inverni parigini. E' quest'arte d'arrangiarsi che fa in modo di trovare soluzioni e nuove direzioni, senza mai fermarsi, senza mai abbandonare, senza mai mollare o sentirsi sconfitti o demoralizzati. Ripercorre la sua vita, che è la sua carriera, di personaggi stralunati e teneri come lo scultore o come il dolcissimo mostro peloso, simile ad uno struzzo, che s'imbatte in una sua simile e scatta l'amore a prima vista. Pupazzi che hanno un'anima come il suo “Idiota” scimmiesco e stupido che si ribella al suo creatore e richiede un'autonomia tutta sua, come la “Vecchia” che sta sempre in una scatola e quando esce non ne vuol sapere di rientrarvi, protestando e mettendo in dubbio le facoltà intellettive e “psichiche” del burattinaio in uno sdoppiamento della personalità che apre la porta a molte riflessioni. Infine “La Morte” che ci lascia con quelle che potrebbero essere le parole che meglio riescono a descrivere la vita di Horacio: “Buon viaggio, approfittatene”. Una leggerezza profonda ci pervade, commozione e riso si mischiano.

Una vera lectio magistralis è quella che intavola invece Mimmo Cuticchio, voce imponente tenorile così come la figura che incute rispetto e1-cuticchio.jpg autorevolezza, voce solida gassmaniana, barba da Mangiafoco, è deciso e intenso, ha carisma, potenza, presenza. E' un viaggio il suo a ritroso nelle origini della sua famiglia, nella Sicilia degli anni '50, '60 e '70, ma anche un caleidoscopio per capire l'arte, il teatro, le sue trasformazioni sociali durante il dopoguerra, mentre l'Italia stava cambiando grazie al cinema, alla televisione, al turismo. Siamo in una chiesa, consacrata, ed è affollata come difficilmente lo sono questi luoghi la domenica. Starlo a sentire è una gioia per le orecchie. Un uomo che si è fatto da solo, che ha messo a frutto gli insegnamenti, sul campo, del padre e di un Maestro. Cuticchio, qui senza pupi, nel suo circolare “recitar cantando”, ad occhi chiusi, nella sua armoniosa voce dei carrettieri, ora rude altre enfatica, con quei colpi di spada nell'aria e a terra con il piede da far risvegliare i morti da far rimbombare le pareti e l'anima, la rottura sincopata in apnea delle frasi, ci racconta dei genitori e dei sette fratelli, di una gioventù sul palco, a montarlo, recitarci, dormirci, dei 371 canovacci e trame su Carlo Magno e i Paladini di Francia nei quali il padre aveva suddiviso le gesta eroiche, dei 400 pupi che avevano appesi alle pareti. L'arrivo dei Cuticchio nei paesini, quando cinema e tv non c'erano, era un appuntamento atteso tutto l'anno, come una soap anni '80, come una fiction anni '90, come una serie tv d'oggi. Nelle sue parole c'è la storia del teatro ma anche quella sociologica di un Paese che stava uscendo dalla miseria. Dopo tanto girovagare i Cuticchio tornano a Palermo stanziali perché i pupi non attirano più nei piccoli centri soppiantati dalla televisione ma anche da biliardini, flipper e juke box che attirano i più giovani. Una sconfitta che diventa rinascita e possibilità: a Palermo i Cuticchio attirano i turisti, siamo nei '70, che arrivano da tutto il mondo. Ma i turisti, soprattutto i tour operator, anche se alle origini, chiedono ai pupari di portare in scena sempre lo stesso copione. Il giovane Mimmo invece vuole recuperare la tradizione e non si accontenta dei biglietti garantiti dai turisti. Dopo una lite generazionale con il padre, Mimmo lascia la famiglia e incontra Don Peppino Celano, ultimo cuntista, drammaturgo e costruttore di pupi. I due aedi cominciano un'alleanza, una ditta che vede il giovane Mimmo carpire e “rubare” i segreti della scena a Don Peppino fino all'investitura con lo spadino del '700 (che Cuticchio tutt'oggi usa nei suoi spettacoli) regalatogli proprio dal Maestro che segna il vero e proprio passaggio di consegne. Una fortuna avere la possibilità di stare ad ascoltarlo, la bocca aperta e gli occhi sgranati.

Tommaso Chimenti 24/09/2018

NOTO – Il recente matrimonio dei Ferragnez ha oscurato la bellezza del barocco a Noto. I più ottimisti dicono che l'ha esaltata, i pessimisti, dal loro canto, sostengono che l'ha surclassata. La scalinata e la cattedrale (l'interno non è minimamente paragonabile alla facciata) sono stracolmi di ragazzi a scattarsi fotografie con i cellulari emulando, chiamandosi, facendo pose, ricordando le nozze del rapper e della influencer. Per qualche anno Noto sarà la città dove due famosi personaggi dello showbiz si sposarono. Potere e delirio dei tempi. Qui tutto è placido e lentissimo. Troppo. Uno struscio continuo sul Corso. Noto ha venticinquemila abitanti e sembra che, ogni sera, si riversino per la via principale costellata da bar e ristoranti, souvenir e gelaterie. Un turismo mordi e fuggi che assaggia la mandorla, lecca il gelato al pistacchio. In questo stesso periodo, metà settembre (14-16), tre diversi festival si assommano e si intrecciano insistendo sullo stesso territorio e bacino d'utenza, ma niente è più potente della piazza, della scalinata davanti alla quale si esibiscono artisti di strada portando a sé centinaia di sguardi.41939007_10209572718913203_856207193656000512_n.jpg

Poi c'è anche “Codex”, il festival diretto da Salvatore Tringali che, con difficoltà, ha tentato di portare spettatori a seguire teatro, pellicole e musica. Dopo sei edizioni però una rassegna dovrebbe essersi strutturata maggiormente: la performance tra video e musica è parsa troppo per addetti ai lavori, al concerto degli Uzeda poche persone presenti, il bel video di dieci minuti (di Alessandra Pescetta, tratto dall'esperienza della piece “Horcynus Orca” di Claudio Collovà) ripetuto per due sere, il teatro che ha visto in cartellone spettacoli già “collaudati” come “Due passi sono” di Carullo/Minasi e “Fa'afafine” di Giuliano Scarpinato (figlio del giudice antimafia Roberto) e l'esito della residenza artistica che ha prodotto “Le Baccanti”. Un po' poco; il festival dovrebbe crescere come proposte, come organizzazione, cercare nuovi spazi, nuovi talenti sul territorio, votarsi al contemporaneo, trovare altre vie per riuscire ad intercettare e portare a teatro i ragazzi, inventarsi nuove formule. Il Codex, con tutta la buona volontà e l'impegno degli organizzatori, ci è sembrato un corpo estraneo alla città, distante, non integrato, è su questo che deve essere effettuato il maggior sforzo Carullo-Minasi-8.jpgsul campo, osare maggiormente e tentare altre strade componendo un cartellone che scelga in quale direzione andare e battere quella opzione, altrimenti si rischia di disperdere energie e risorse per un programma non omogeneo che sembra non abbia un'anima e una sua precisa vocazione. Creare una sezione di giovani artisti siciliani poteva essere un'idea, far scoprire, con un lavoro e un'opera di scouting, qualche attore nuovo, qualche voce che non riesce, per svariati motivi, a passare lo Stretto.

Saltando l'ingenuo e lento “Due passi sono” che all'epoca riscosse tanti consensi e riconoscimenti (Ustica, In-box), troppo datato nel tempo per formularne adesso un pensiero e un giudizio, ci siamo concentrati sul provocatorio “Fa'afafine” (premio Eolo, Scenario Infanzia) che ha scatenato ire e prese di posizione barricadere e pasionarie sia dalla parte progressista come da quella conservatrice. Se state leggendo questo pezzo sapete di che cosa si tratta visto il boato scatenato. Campione di polemiche e baruffe da web con genitori accapigliatisi per poter permettere ai loro figli la visione e quelli che invece la volevano proibire e vietare (il bambino in questione, Alex, è uno di quei rari casi di gender fluid, ovvero ragazzi che in età preadolescenziale, non si sentono di appartenere né al sesso maschile né a quello femminile) cosa che ha spinto e pubblicizzato lo spettacolo, senza tutto quel clamore e polverone innescato la piece non avrebbe avuto la stessa visibilità, è invece diventato nodo del contendere, al di là del lato artistico e meramente teatrale, facendone scudo di battaglie, generatore di conflitto, paladino di istanze che qualcuno ha fomentato. E' quello che qualcuno voleva.Faafafine-8.jpg

Ecco le barricate per la libertà d'espressione, contro tutti i fascismi: cose già viste, già sentite. Qualcuno si fa passare per vittima accusando gli altri di essere carnefici. Insomma, le chiacchiere, che nel tempo si sono fatte aggressive (“Ci sono due tipi di fascisti: i fascisti e gli antifascisti”, diceva Ennio Flaiano), hanno trainato una pièce con molte lacune drammaturgiche e punti deboli teatrali, attoriali e scenici ma che improvvisamente si è trovata difensore di aspirazioni. La domanda di fondo era, ed è, se è giusto o meno far vedere ai ragazzi la storia di un bambino, in età da scuola primaria, che un giorno si sente maschio e quello dopo femmina, vestendosi e comportandosi di conseguenza. Forse la libertà sta nel lasciar liberi i genitori di poter giudicare autonomamente e decidere dell'educazione dei propri figli senza gridare alle limitazioni di libertà. Detto della cornice, approfondiamo il quadro che subito ci si è mostrato debole e fragile con questo ragazzino, molto consapevole della sua situazione e condizione (l'attore Michele Degirolamo troppo sopra le righe, fa parodia più che interpretare), ci appare, al di là delle tendenze o gusti o scelte sessuali, problematico e bipolare, portatore di patologie psichiche più che di identità di genere, affetto da disturbi della personalità. La scena ci ha ricordato, omaggio dichiarato o plagio affettuoso, la copertina del libro di Margaret Mazzantini “Venuto al mondo” con letto, cameretta e pesci svolazzanti che qui arriveranno grazie alle proiezioni, immerso in una stanza verde malato.

Faafafine3 kxXF U43280474918858FlD 1224x916Corriere Web SezioniQuesto nostro Alex i giorni pari è femmina mentre i dispari è maschio. Cosa c'è di che scandalizzarsi? E in questo suo vizio e capriccio, in questa sua particolare presa di posizione, i genitori, nella finzione teatrale s'intende, avallando queste stranezze, non fanno il bene del figlio anzi anche loro si travestono come fosse Carnevale. I genitori sono due cartoni animati senza carattere né nerbo, chiusi fuori dalla stanza del figlio che non apre e che si rifiuta di andare a scuola. Il figlio sembra il padre, i due genitori i figli che non sanno cosa fare, incerti e indecisi. Genitori, la rovina di molti figli, che non accettano nemmeno il confronto con la scuola né con altri genitori che si lamentano dei comportamenti del ragazzo, genitori ansiosi, titubanti, balbuzienti, timidi, senza polso, che si inginocchiano e genuflettono alle bizzarrie del ragazzino non mostrando alcuna autorità né autorevolezza, schiacciati da questo “alieno”, che non hanno minimamente il controllo della situazione. Genitori ostaggio e bullizzati dal loro piccolo cucciolo d'uomo.

Ma la storia si incentra, ovviamente, sul ragazzo e sulla sua famiglia mentre esiste un'altra vittima della vicenda, scientificamente estromessa dalla comprensione e dall'empatia: Elliott, un compagno di classe, che non è nemmeno amico di Alex ma del quale quest'ultimo si è innamorato ed al quale riserva molte, troppe attenzioni morbose fino a stalkerarlo e molestarlo continuamente. Del ragazzino “non problematico”, che comunque non vuole più andare a scuola perché preso di mira dagli attestati insistenti d'amore e d'affetto non richiesti da parte di Alex, non se ne parla perché non fa notizia, la sua storia non è strappalacrime, non crea pathos. Il maschio bianco, etero, cattolico, di qualsiasi età, è la minaccia, il campo di battaglia, il capro espiatorio, il totem da abbattere, lui deve essere comprensivo verso tutte le minoranze senza renderci conto che, di fatto, sta diventando esso stesso una minoranza da tutelare, un essere vivente in via d'estinzione. Se l'intento era raccontare il cosiddetto “gender fluid” la cosa non è riuscita. Dopo aver sentito e letto di tante polemiche strumentalizzate e parziali, settarie e partigiane, aver visto lo spettacolo ha sgonfiato il palloncino delle attese. Quanto fanno male i premi dati per partito preso e faziosità.

Tommaso Chimenti 18/09/2018

Giulio Donato entra ufficialmente in concorso per il “BCT – Benevento Cinema e Televisione” con il cortometraggio “Amore Bambino” da lui scritto, diretto e sceneggiato.
Come in un sogno vivido, viene portata con estrema semplicità e qualche sguardo complice, l’inconfondibile tenerezza dell’amore più puro e incondizionato.
In una fresca estate due bambini si innamorano durante un campo estivo: Aldo, che vorrebbe precorrere i tempi ed essere già adulto, e Angela, che un po’ com’è tipico di ogni donna, non ha bisogno di volerlo, in un certo modo già lo è.
amore 2Sono occhi sinceri, vispi e un po’ furbeschi ma che con il semplice guardarsi riescono a bastarsi.
Quando l’amore nasce in età infantile è una piuma leggera mossa dal vento: ha mutevole quanto incostante forma ma è comunque integra e indistruttibile, come il patto che sancisce un delicato bracciale di margherite cinto al polso.
Questo può sembrarvi fragile ma occorre ricordare quanto l’intento dietro al gesto sia intenso, fedele e anche giocoso, perché si sa, prendersi troppo sul serio non fa mai bene. Amore 1
Poi però inaspettatamente ecco che i due protagonisti divengono (o sarebbe meglio dire “tornano ad essere”) due anziani in una casa di cura che a breve dovranno dirsi addio.
E in un attimo il corto cambia saggiamente di tonalità.
L’estate sospesa nel tempo dai colori pastello e una luce calda si ingrigisce debolmente; questo però non è teso ad intristire anzi, rimane pur sempre un’aurea dorata di serenità in sottofondo.
L’età più avanzata arriva per tutti e non porta con sé la fine della speranza o di una concezione più armoniosa della vita come spesso viene raccontato.
In questo caso è invece sede per eccellenza di passaggio. Un ciclo che termina ma si riapre fecondo nella mente e lì continua a vivere in eternità.
Non è un’amara consapevolezza del corso inarrestabile della vita e delle sue inaspettate increspature, quanto piuttosto persiste un alone di magia dato dallo scintillio dei dettagli che la colorano come le foglie degli alberi alla luce del sole, o i raggi di questo che riflettono sull’acqua chiara della piscina.
E così alla fine dei “giochi” Donato propone con un cortometraggio delicato e perfettamente equilibrato, l’universalità del sentimento.
Quello che nasce e si fortifica come decade e muore ma che vive negli anziani come nel petto dei bambini.
L’amore che supera gli ostacoli e che la dove non riesce a trovare soluzione alcuna per sopravvivere, gabba con coraggio il corso del tempo rifugiandosi nei ricordi.
Forse è proprio questo uno dei messaggi più chiari che riesce a promuovere.
Ricordarsi ogni giorno la possibilità di ritornare anche noi al nostro “posto delle fragole” (citando Bergman) in quel luogo dove riuscivamo a vedere il mondo con gli occhi di chi sogna immaginandoci imbattibili e intramontabili.

Daria Falconi
28/05/18

Si è aperta con uno spettacolo dal sapore autobiografico (e di denuncia sociale) la quarta edizione del D.O.I.T. Festival, rassegna dedicata alle giovani compagnie indipendenti, ideata e organizzata da Angela Telesca e Cecilia Bernabei, in collaborazione con L’Artigogolo, l’Associazione Culturale ChiPiùNeArt e di Recensito come media partner.

Nelle serate di giovedì 15 e venerdì 16 marzo è andato in scena infatti “Questa è casa mia mia”, scritto, diretto e interpretato dal giovane attore di origini abruzzesi Alessandro Blasioli, che - come da lui stesso spiegato nell’intervista condotta al termine della seconda serata dal nostro Adriano Sgobba – è giunto a quest’opera spinto dalla necessità di raccontare l’Odissea vissuta (in parte ancora tutt’oggi) dai suoi conterranei a seguito di quel maledetto 6 aprile 2009. Nella sua Chieti, anche lui quella notte aveva sentito il terremoto, ma ci aveva riso su, contento che la scossa gli avrebbe risparmiato il compito di matematica il mattino seguente. Solamente all’indomani si sarebbe reso conto della distruzione e la morte causate dal sisma, vergognandosi così della sua innocente ilarità. 29244274 2130099160605321 2452909771829805056 n

29243820 2130099823938588 6186051300623384576 nUn sentimento simile lo prova uno dei personaggi da lui portati in scena con la tecnica del Teatro di Narrazione. Si tratta del giovane Marco, che durante una delle tante vacanze estive in una località balneari della costa, si trova a dover consolare il suo amico aquilano, che quell’anno non si trova lì da villeggiante, bensì da terremotato, ospite di uno dei tanti alberghi adibiti a centro di accoglienza forzato per gli sfollati. La sua famiglia infatti, come migliaia di loro conterranei, sarà vittima dell’inefficienza della macchina dello Stato, che li sballotterà dagli alberghi alle tendopoli, fino ai surrogati di case nelle così dette New Town. Nulla che possa avere il sapore di casa, né tantomeno di paese, ma solo dei simulacri di soluzione, che lasciano gli aquilani orfani di rifugio e di speranza. Il vuoto si traduce ben presto in frustrazione e c’è chi si dà alle slot machine - «comparse come funghi» - e chi all’alcool. La rabbia invece si trasforma in voglia di fare chiarezza e ottenere giustizia.

E di processi in questi lunghi otto anni ce ne sono stati molti, da quelli sugli appalti della Regione Abbruzzo alla condanna per omicidio colposo a carico di Guido Bertolaso, come racconta Blasioli nel suo monologo, per il quale si è documentato in anni di approfondite ricerche. Il suo è quindi uno spettacolo complesso e intenso in cui agli elementi narrativi, costernati da una vasta gamma di personaggi archetipici, si aggiungono i freddi dati cronachistici. Una dicotomia che fa da metafora delle vite di molti abruzzesi, il cui amore per la propria terra è inaridito dalla grigia e ostile burocrazia statale. Un’opera di teatro sociale ricca di pathos e densa di informazioni, quasi troppe verrebbe da dire, ma difficili da snellire se il diktat civile è «non dobbiamo dimenticare»

Virginia Zettin 20/03/2018

La VI edizione di Interiora – Mostra ciò che hai dentro apre i battenti e si preannuncia come la più importante, un passo in avanti rispetto alle rassegne precedenti. I bandi per partecipare a questo Festival multidisciplinare dedicato all'Horror Indipendente sono, infatti, ufficialmente aperti. Disponibili le sezioni Cinema, Arti audiovisive, Musica e Letteratura, mentre la selezione delle Arti performative è chiusa perché è stata effettuata su chiamata.

La rassegna, che quest'anno sarà realizzata con il contributo della Regione Lazio e con il sostegno del Comune di Roma e di Zètema, porterà tantissime novità, come dichiara Giulia Pellini, produzione esecutiva del Festival: "Quest'anno dal 31 ottobre al 2 novembre saremo allo spazio Factory del M.A.C.RO., all'interno dell'ex mattatoio di Testaccio e non potevamo immaginare una location più adatta! Mentre il Cinema, che si svolgerà dal 1 al 5 novembre, avrà a disposizione due sale della Città dell'Altra Economia".Interiora2
In questa VI edizione continua il desiderio di Interiora di indagare un linguaggio espressivo capace di veicolare significati profondi. L'Horror è un genere spesso bistrattato ma che riesce come pochi altri a mescolare l'intrattenimento all'introspezione, il divertimento alla riflessione. Per questo verrà riproposta una panoramica dei migliori cortometraggi horror degli ultimi anni. Una competizione alla quale si affiancherà, grazie alla collaborazione con Kinoglazorama International e Penny Video, un'accurata selezione di lungometraggi internazionali: una seconda sala verrà interamente dedicata al "Michele De Angelis Horror Picture Show", una rassegna di film in 35 mm rari e introvabili.

A prescidnere dal cinema, il Festival si impegna a toccare tutte le arti. Oltre alla già menzionata selezione esterna al bando di opere performative che alternano video a live performance, tra le quali sarà previsto il progretto collettivo Santa Sangre, sono aperti un bando di Arti Audiovisive (videoarte, fotografia, fumetto, illustrazione, pittura scultura ecc...), che darà la possibilità ai selezionati di essere esposti in altri eventi di prestigio realizzati da C.A.R.M.A., e uno di Musica relativo a performance di gruppi musicali, solisti, cantautori, colonne sonore e musica sperimentale. Per quanto riguarda la Letteratura, il bando sarà aperto a breve e, grazie alla collaborazione con la casa editrice Cut up, prevederà la pubblicazione di un volume con le migliori opere pervenute, nonché la rappresentazione scenica di tali testi da parte di attori professionisti.

Il tema scelto per questa VI edizione è quello del Vaticinio. La chief curator del C.A.R.M.A., Veronica D'auria, parla di questa tematica, con la quale gli artisti saranno chiamati a confrontarsi, come di un "rituale ancestrale praticato in tutto il mondo ed in tutte le epoche in molteplici forme che nasce in relazione al bisogno atavico di conoscenza di fronte ad un futuro ignoto in un presente inquieto. La rivelazione giunge da un “oltre” mistico attraverso la ricerca di segni che indichino l’“ordine” delle cose, una trama da seguire fino a scorgere il futuro, e mediante la connessione con energie invisibili che svelano, attraverso il "canto del poeta”, accadimenti futuri.”.

Per visionare e partecipare ai bandi basta andare sul sito di Interiora.
Gli interessati dovranno mandare il materiale entro e non oltre il 15 settembre 2017, per permettere di dare il via alla selezione insindacabile della giuria. C'è ancora tempo per prendere parte alla manifestazione organizzata dall'Associazione Culturale IMPULSI onlus, un'occasione che ogni artista appassionato di horror non dovrebbe lasciarsi scappare.

Carlo D'Acquisto 28/06/2017

MODENA - “Il carcere è pieno di momenti morti”, dice l'ispettrice. Vero, verissimo. E non solo quelli. La voce di Vincenzo Pirrotta, calda e fresca, generosa e arricciolata, riesce a scalfire i muri, abbattere le distanze su questo palco improvvisato. Siamo a “Trasparenze”, il festival a cura del Teatro dei Venti e diretto da Stefano Tè. Tutto è più chiaro. Dentro il penitenziario le parole in palermitano hanno più corpo, sono diventate più tangibili e vere. Più vive, sgomitano, sgattaiolano, fuggono. Ci ha ricordato la potenza di Mimmo Borrelli, la musica di Davide Enia, la magia di Mimmo Cuticchio. Un'ode a Palermo, alle lampare, ai picciotti, ai “carcerati, ai pescatori e agli innamorati”. La sua voce fa drammaturgia, è personaggio e ruolo, cifra distintiva.
La sua voce è mare schiumoso,
è vernice ruvida
è sale sulle ferite e limone strizzato negli occhi
è roca come il fischio del treno,pirrotta2
è armonia scomoda e scomposta
è lingua che va a toccare la carie,
è rap ritmato e mimato,
è odore di zagara in fiore,
è luce che infiamma
è spine senza rose,
è onde e Etna, cantilena frizzante
è blues piangente
è lamento gridato pregante
è vento d'alto mare che spettina e pulisce,
è battaglia onomatopeica
è parole taglienti che feriscono,
è guglia che s'arrampica, è foga che si danna,
è schiena sudata e piagata,
è carne
è specchio deformante
è lava che fuma minacciosa
è una maglietta attillata che stringe e strizza
è nodo
è ago
è inno a gola piena
è una carezza con le mani sporche di grasso
pirrotta3è rugiada e colla
è carrarmato che calpesta
è pozzanghera di fango
è sentiero sterrato
è cascata che punisce
è frustate sui polmoni
è bolgia senza regole
è un sorpasso sulla destra
è “e che te lo dico a fare
è la gru dello sfasciacarrozze che scoperchia le auto da demolire
è la sveglia che spezza il tepore del piumone invernale
è eco che fracassa
è sollevazione popolare
è urla dopo un gol alla Favorita
è mescal che frigge l'esofago
è centrifuga brutale
è la corda spessa che fruscia di salmastro nella tonnara
è asfalto scalcinato
è erba medicinale
è malva e polpo
è mentolo aspirato forte
è zenzero e paprika
è una balla di fieno che rotola in campagna
è una storta alla caviglia in discesa
è sabbia lanciata in faccia
è pane caldo
è un tombino newyorkese che sputa vapore
è rughe attorno agli occhi
è crepa nelle mura del castellopirrotta4
è una scritta sul muro che ti fa fermare a leggerla, rileggerla e leggerla ancora
è gramigna dal profumo di lavanda e menta
è la prima boccata di sigaretta e il primo sorso di birra
è morso di pitbull
è il rumore del bosco quando tutto tace
è il clac del lucchetto
è un cambio di marcia in salita
è un colpo di tosse improvviso
è laccio emostatico a bloccare il flusso sanguigno
è buccia scivolosa
è naufragar m'è dolce in questo mare
è un tatuaggio che fa male ogni volta che lo guardi
è fuga per la vittoria
è scala a chiocciola
è criniera di cavallo che scalcia
è un sorriso sdentato d'anziano
è guinzaglio che strozza
è fune che impicca
è sapone che unge e santifica
è saliva che salva
è una maratona con i tacchi a spillo
è maionese acidula
è sanpietrino sformato e sfondato
è maiolica fresca
è caffè amaro
è grido di perdita
è urlo di scoperta
è allarme d'invasione
è buio da averci paura
è barba ispida
è schiena china a raccogliere pomodori
è formaggio fuso sull'hamburger
è tavolino da bar che traballa
è lamiera che sbatte
è tamburo da corteo
è canto in processione
è pistoni incandescenti
è sterzata in curva
è ballo di San Vito e prurito da varicella
è i muscoli del capitano
è tappo che salta per la pressione
è inversione a U in autostrada
la sua voce è malattia e cura.

Tommaso Chimenti 13/05/2017

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